La extraordinaria frescura de Ingrid Bergman en Intermezzo, su debut en Hollywood, cautivó al público. Philip Horne celebra a un ícono de pantalla al que le rendimos homenaje.

Ingrid Bergman hizo una dramática entrada a Hollywood a la edad de 24 años en el Intermezzo de 1939, una nueva versión de su película sueca, combinando con éxito la fantasía romántica adúltera con un alto sacrificio moral.

Interpreta a una joven pianista que se escapa, y luego renuncia noblemente, a una estrella de violín casada (Leslie Howard). Apareciendo sin maquillaje (rechazó los planes de Selznick para el cambio de imagen habitual de Hollywood), la joven Bergman dio una vida fabulosa a la historia familiar: primero en la adoración inocente, sexy y descuidada que seduce a Howard; luego, en la angustia de conciencia que la obliga a hacerse a un lado para que su amante pueda regresar con su esposa y su hija (su propia carrera apenas parece importarle, muy diferente a la de Bergman).

El mentor sueco de Bergman Gustav Molander identificó "tres características totalmente originales de su trabajo: verdad, naturalidad y fantasía". El mundo angloamericano también amaba su "naturalidad". Graham Greene estaba encantado. "¿Qué estrella antes ha hecho su entrada con un brillo resaltante en la punta de la nariz? El brillo es típico de una actuación que no da el efecto de actuar en absoluto, sino de vivir, sin maquillaje".

Sin embargo, desafiando al tiránico Selznick, Ingrid Bergman en Hollywood debía encontrar la manera de mantenerse (en su mayoría) fiel a sí misma y aún ganar tres Oscar: "Me convertí en la estrella 'natural' ... actué como la chica de al lado".

Su atractivo era su autenticidad, la "frescura" de su belleza (aunque el "brillo" solía reflejarse en sus ojos asombrosos). Irene Selznick, su gran amiga, comentó: "Simple y directa, tenía una cualidad totalmente refrescante. De hecho, no parecía ser ninguna otra actriz que conociera".

Fue muy amada y admirada como modelo de gracia y valiente independencia femenina, en su carrera y en su imprudente y polémica vida amorosa. Ella era (como las actrices extranjeras podrían ser) un ícono de poderosas pasiones y sufridos deseos: un amante en Dr. Jekyll y Mr Hyde (1941), de Victor Fleming, el sublime Casablanca de Michael Curtiz (1942) y en Luz de gas (Gaslight, 1944) de Cukor. Pero fue solo con Alfred Hitchcock que conoció a un director de Hollywood que realmente pudo poner en juego su veracidad romántica.
Cuéntame tu vida (Spellbound, 1945) es una buena versión freudiana, una parábola de liberación psíquica, mano a mano con el amor romántico entre Bergman y su novio traumatizado Gregory Peck.

Pero Tuyo es mi corazón (Notorious, 1946) la presenta perfectamente, tanto con el gran Cary Grant como con Claude Rains. Es su obra maestra de Hollywood. La trama sobre infiltrarse entre espías del Tercer Reich en Brasil seduciendo (y casándose) con Rains, permite a Bergman retratar con crudeza a una "mala chica" de buen corazón, alcohólica, promiscua, impulsada por la culpa de la traición de su padre nazi, desesperada y lista para arriesgar su vida.

Hollywood (y su matrimonio sin vida) eran opresivamente acogedores para la ambiciosa y audaz Bergman: "Ella solo quería aparecer en obras maestras", comentó Hitchcock con escepticismo. Para alejarse de "toda la facilidad", como dijo ella, escribió, espontánea y heroicamente, a Roberto Rossellini, director neorrealista italiano de Roma ciudad abierta (1945) y Paisá (1946), que le había encantado, ofreciéndose ella misma como una estrella que le traería una gran audiencia.

Se enamoraron apasionadamente; e hicieron juntos el áspero, escalofriante y edificante Stromboli (1950), donde ella trepa un volcán en erupción, y luego otras cuatro películas inquebrantables. Como una versión femenina de su amante masculino en Intermezzo, Bergman abandonó a su esposo e hija por él. Su movimiento antiamericano causó una tormenta de protestas y vilipendios, mellando su enorme popularidad en Hollywood.

Cuando este nuevo matrimonio se derrumbó, ella hizo una comedia sexual irónica con Jean Renoir, la valiente Eléna et les hommes (1956); luego regresó a Hollywood cuando las cosas se relajaron, y se restableció a sí misma, sin asumir mayores riesgos (a pesar del tímido título de Indiscreet en 1958).

Pero el coraje, el talento y el fuego extraordinario todavía estaban allí, y su triunfo final fue verdaderamente heroico. Dos décadas más tarde volvió a ver a un director que buscaba una realidad más allá de la de Hollywood, su homónimo y compañero sueco, Ingmar Bergman, para lo que sería su última película, Sonata otoñal (1978), con la tremendamente intensa Liv Ullmann.

El guión del director recrea cruelmente Intermezzo y la conflictiva vida de la actriz en un drama trágico de traición materna (por un pianista concertista obsesionado con la carrera) y venganza filial. Horrorizada al principio por su angustiosa franqueza, se resistió y se negó a arriesgarse a que el director actuara de manera tan directa.

"Ella había ensayado toda su parte frente al espejo", recordó. "Todavía vivía en la década de 1940". Sin embargo, después de algunas confrontaciones, una vez más se despojó del equipaje de Hollywood y, ansiosa ante los primeros signos del cáncer que la mataría en 1982, produjo una actuación magníficamente valiente, conmovedora e indiferente en una obra maestra de cámara insoportablemente íntima sobre el poder de la música y las torturas de la falta de amor y la culpa.

"Hay mucho de mí en Sonata otoñal", confesó con orgullo. De hecho, tanto en su referencia autobiográfica como en su demostración de la devoción sacrificada y obstinada de esta mujer tan querida por el arte de la actuación, la película es un testamento apropiado de su grandeza.
Philip Horne
Daily Telegraph, 10 de marzo de 2006