Con la proyección de Accatone y una muy buena cantidad de público, celebramos los cien años del nacimiento de Pier Paolo Pasolini en el Cineclub YMCA.
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Este año se celebra el centenario de Pier Paolo Pasolini, una de las figuras más importantes del cine italiano, pero también un artista que sobrepasó la pantalla y cuyo recuerdo y vigencia aún está presente. Le rendiremos homenaje en el Cineclub YMCA con su primera película, Accatone, el miércoles 6 de abril a las 20 horas, en Reconquista 439, con entrada libre y gratuita.
Es imposible pararse frente a la obra de Pasolini de manera indiferente. Polémico, su posición antifascista, como intelectual de izquierda también disconforme y crítico, desencantado de de una realidad política que tampoco lo representaba plenamente, su formación católica también chocaba con el marxismo, su religiosidad y su orientación sexual.
Su visión del mundo nunca fue ajena a todos estos tópicos, a sus convicciones, y así conformó una mirada artística que lo posicionó como un autor personalísimo.
En 1961 debutó como director con Accatone, la película con la que vamos a recordarlo en el Cineclub YMCA, en una Roma de extrarradio en los años del milagro económico, donde muestra el excedente del capitalismo y no civilizado, con una descripción realista de personajes y ambientes que se repetirá en sus siguientes películas, en las que incomodó con una mirada trascendente y la manifestación de todos los tabúes.
Su asesinato, cometido por un adolescente marginal el 2 de noviembre de 1975 en el balneario de Ostia, también se vio envuelto en sospechas de conspiración y venganza política, en un hecho que aún hoy presenta dudas. Pasolini tenía sólo 53 años.
"Todo arte es lúdico y éste es un juego: cuando escribo una novela, la considero un juego, pero hay un segundo momento del juego que me gusta menos. Estructurar un libro es un bellísimo juego. También vale para la poesía. En el cine, ese momento del juego es más fuerte porque une más elementos que el libro o la poesía, por el hecho de tomar personas y hacerlas actuar una parte. De niños hacíamos pequeñas figuras y jugábamos a la guerra. El cine es todos esos juegos juntos", escribió.
Función 222 - Miércoles 6 de abril, 20 horas
ACCATTONE, UN MUCHACHO DE ROMA
ACCATTONE, UN MUCHACHO DE ROMA
(Accattone, Italia, 1961, blanco y negro, 116 minutos)
Dirección: Pier Paolo Pasolini
Elenco: Franco Citti, Silvana Corsini, Franca Pasut, Paola Guidi, Adriana Asti, Mario Cipriani, Roberto Scaringella, Adele Cambria.
Dirección: Pier Paolo Pasolini
Elenco: Franco Citti, Silvana Corsini, Franca Pasut, Paola Guidi, Adriana Asti, Mario Cipriani, Roberto Scaringella, Adele Cambria.
Mientras Accattone se pasa el día metido en las tabernas, Maddalena, la mujer con la que vive, debe ejercer la prostitución para mantenerlo. Cuando Maddalena es detenida y encarcelada, Accatone, privado de su medio de subsistencia, se ve condenado a llevar una vida miserable. Incluso debe pedir ayuda a su esposa legítima, Ascenza, a la que hace años abandonó.
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Pasolini realiza una aproximación a la Roma marginal de mediados del siglo XX, mostrando la vulnerabilidad social, la exclusión y la pobreza, no sin ironías, patetismo y mirada crítica, con la maravillosa fotografía de Tonino Delli Colli.
"Ya conocido en el ambiente literario, es con esta película que Pasolini, a los 39 años, se vuelca a la dirección y filma las primeras tomas por encargo de Federico Fellini, quien puede hacerse cargo de la producción. Pero el material resultante no fue del agrado del gran nombre del cine italiano y finalmente Mauro Bolognini intercedió para que Pasolini pudiera realizar su personal mirada a los suburbios romanos con la figura del delincuente del título, un proxeneta que sobrevive gracias a una prostituta con la que convive, al igual que con la violencia y el crimen. En Accattone, la mirada cruda del ambiente marginal es mostrada sin didactismos junto con la permanente decadencia moral de los personajes que allí conviven. 'Llevaba tan claras en la mente las escenas del film que no tenía necesidad de elementos técnicos para realizarlo, no requería saber que la panorámica se llama panorámica para hacer un movimiento de cámara que mostrara los muros agrietados del Pignetto', diría Pasolini". (Pablo de Vita, diario La Nación, 5 de marzo de 2022).
Función especial del Cineclub YMCA dedicada a Diego Armando Maradona, con la proyección del documental realizado por el serbio Emir Kusturica. Podrá verse on line el miércoles 2 de diciembre, desde las 20, en este enlace.
Función 215 - Miércoles 2 de diciembre - 20 horas
MARADONA POR KUSTURICA
(Maradona by Kusturica, Francia, 2008, 72 minutos)
Dirección: Emir Kusturica
El famoso director Emir Kusturica dirige una extraordinaria recreación de la caída y resurrección de Diego Armando Maradona: héroe deportivo, campeón del pueblo, ídolo caído e inspiración de millones de personas. Con un acceso sin precedentes a la figura del Diez, el documental lleva al público a un viaje íntimo a los lugares y las personas más cercanas a este dios del fútbol.
La película intenta mostrar al mundo cómo es “el Diego” alejado de los focos: sus fobias, sus pasiones y lo difícil que es para Maradona ser uno cualquiera cuando cualquiera querría ser Maradona.
¿Viste la película? ¡Dejá tu comentario!
El miércoles pasado, la noticia de la muerte de Diego Armando Maradona shockeaba al mundo. Diarios y portales reproducían la noticia que nadie quería creer. Y la sorpresa golpeaba no sólo al ambiente del fútbol, porque Maradona fue mucho más que un jugador del deporte más popular.
El cine se ha metido con él, pero pocas veces lo hizo con tanta intensidad y desde tantas aristas como se animó a abordarlo el serbio Emir Kusturica en este retrato exuberante y lleno de vida, alegre, triste, excitante y controversial a la vez, que tuvo su premiere en el Festival de Cannes.
Con su proyección, también el Cineclub YMCA le rinde homenaje al Diez.
Emiliano Penelas
Programador
Función 215 - Miércoles 2 de diciembre - 20 horas
MARADONA POR KUSTURICA
(Maradona by Kusturica, Francia, 2008, 72 minutos)
Dirección: Emir Kusturica
Kusturica se dispone a explicar lo que Maradona representa para el mundo y el hombre que hay detrás de esa representación. Para ello recopila los sucesos sobresalientes de su vida (su infancia en Villa Fiorito, su carrera como jugador, el Gol del Siglo en el Mundial México '86, sus problemas con las drogas) y acompaña al astro en sus actividades entre los años 2005 y 2007, su experiencia como presentador de televisión en “La Noche del 10” y su militancia política junto a Fidel Castro, Evo Morales y Hugo Chávez.
No se trata de un documental deportivo, sino uno político, sociológico, cultural y algo de deporte sobre el más grande futbolista que haya vivido en este planeta.
Cineclub YMCA from Cineclub YMCA on Vimeo.
Si el reproductor no funciona, en este enlace alternativo podrá ver la película.
Con esa frase premonitoria termina Con destino a la Luna, la película de Irving Pichel que proyectamos en el comienzo del ciclo "50 años de Luna: sueños y fantasías" en el Cineclub YMCA.
En una noche de frío gélido, comenzamos el mes en que se cumplirá medio siglo de la llegada del hombre a la Luna con la proyección de esta fantástica aventura lunar dirigida por Irving Pichel en 1950.
La película utiliza pinturas del destacado artista astronómico Chesley Bonestell, que fueron utilizadas en el despegue de de la nave espacial, su acercamiento a la Luna, el alunizaje y un panorama del paisaje lunar.
Una crítica a menudo notada de la película es el hecho de que la superficie lunar está entrecruzada con grietas abiertas, lo que implicaría que la superficie fue una vez lodo, que requiere agua, y que la Luna no contiene agua. Bonestell, no estaba contento con las grietas, que fueron diseñadas por el director de arte Ernst Fegté.
"Chesley tenía razón, por supuesto... pero estábamos filmando en un pequeño escenario debido a nuestro presupuesto limitado. Teníamos que hacer que el set se viera más grande. Chesley diseñó un hermoso telón de fondo, pero necesitaba algo para darle profundidad. Por eso hicimos las grietas, que eran grandes adelante pero más pequeñas a la distancia, por lo que daba una sensación real de perspectiva. Para algunas escenas, incluso utilizamos enanos en trajes espaciales pequeños para aumentar la sensación de profundidad", comentó el productor George Pal.
Sobre el final, a medida que la tripulación se acerca a la Tierra, se imprime el título "The End", seguido por "...of the Beginning". La premonición de la carrera hacia la Luna estaba planteada: "Esto es el fin del principio".
En una noche de frío gélido, comenzamos el mes en que se cumplirá medio siglo de la llegada del hombre a la Luna con la proyección de esta fantástica aventura lunar dirigida por Irving Pichel en 1950.
Destination Moon (Estrenada en la Argentina como Viaje a la Luna) fue la primera película importante de ciencia ficción de los Estados Unidos que abordó los peligros inherentes a los viajes espaciales humanos y las posibles dificultades para aterrizar y regresar con seguridad de nuestro satélite natural.
La película fue financiada a medias entre el productor George Pal (uno de los creadores del "Pájaro Loco", que tiene un cameo en el film) y la pequeña productora Eagle-Lion y fue un éxito rotundo, con mucha promoción en las revistas familiares y de ciencia ficción, haciendo énfasis en el Technicolor y los efectos visuales.
Los guionistas eran conocidos de la ciencia ficción e inclso se consultó a técnicos para hacer la historia lo más fiel posible a las tecnologías de la época.
El director Irving Pichel, también actor, fue citado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses en 1947, en un grupo que se llamó "los diecinueve de Hollywood", y debió abandonar el país.
La película utiliza pinturas del destacado artista astronómico Chesley Bonestell, que fueron utilizadas en el despegue de de la nave espacial, su acercamiento a la Luna, el alunizaje y un panorama del paisaje lunar.
Una crítica a menudo notada de la película es el hecho de que la superficie lunar está entrecruzada con grietas abiertas, lo que implicaría que la superficie fue una vez lodo, que requiere agua, y que la Luna no contiene agua. Bonestell, no estaba contento con las grietas, que fueron diseñadas por el director de arte Ernst Fegté.
"Chesley tenía razón, por supuesto... pero estábamos filmando en un pequeño escenario debido a nuestro presupuesto limitado. Teníamos que hacer que el set se viera más grande. Chesley diseñó un hermoso telón de fondo, pero necesitaba algo para darle profundidad. Por eso hicimos las grietas, que eran grandes adelante pero más pequeñas a la distancia, por lo que daba una sensación real de perspectiva. Para algunas escenas, incluso utilizamos enanos en trajes espaciales pequeños para aumentar la sensación de profundidad", comentó el productor George Pal.
Sobre el final, a medida que la tripulación se acerca a la Tierra, se imprime el título "The End", seguido por "...of the Beginning". La premonición de la carrera hacia la Luna estaba planteada: "Esto es el fin del principio".
Con la proyección de Chantaje, de Alfred Hitchcock, dimos inicio a la Temporada 2019 del Cineclub YMCA, la duodécima consecutiva.
"El aspecto divertido de Blackmail es que, después de muchas dudas, los productores decidieron que fuese una película muda, salvo el último rollo, pues entonces se hacía publicidad de algunas producciones anunciando: «film parcialmente sonoro». En realidad, yo preveía que los productores cambiarían de opinión y que necesitarían una película sonora, por lo que lo había previsto todo, en consecuencia. Utilicé, pues, la técnica del sonoro pero sin el sonido. Gracias a ello, cuando el film estuvo terminado, pude oponerme a la idea de un «parcialmente sonoro» y me dieron carta blanca para rodar de nuevo algunas escenas. La actriz alemana, Anny Ondra (en verdad nació en Galitzia, Polonia, en ese entonces parte del Imperio Austrohúngaro), apenas hablaba el inglés y como el doblaje, tal como se practica ahora, aún no existía, salvé la dificultad llamando a una joven actriz inglesa, Joan Barry, que estaba en una cabina situada fuera de campo y que recitaba el diálogo delante de su micrófono mientras la señorita Ondra miraba las palabras. Yo seguía la interpretación de Anny Ondra mientras escuchaba las entonaciones de Joan Barry con ayuda de auriculares en mis oídos".
"Después que la chica ha matado al pintor que la llevó a su casa e intentó violarla, ella vuelve a la suya y hay una escena de desayuno con su familia en torno a la mesa. Una vecina que se encuentra allí, muy parlanchina, discute del asesinato que acaba de saberse dice: «¡Qué terrible matar a un hombre por la espalda con un cuchillo. Si lo hubiese matado yo, le habría golpeado la cabeza con un ladrillo, pero no habría utilizado un cuchillo!», y sigue el diálogo, la chica ni siquiera escucha ya y el sonido se convierte en un puré sonoro, muy vago, confuso, en el que sólo se entiende claramente la palabra cuchillo, que vuelve a menudo: cuchillo, cuchillo. Y de pronto la chica oye claramente la voz de su padre: «Por favor, pásame el cuchillo del pan, Alice», y Alice debe coger con su mano el cuchillo, semejante a aquel con el que acaba de cometer el asesinato, mientras que los otros siguen hablando del crimen. Este fue mi primer experimento sonoro".
F.T.: ¿Utilizó muchos trucos durante la persecución del hombre en el British Museum?
A.H.: Efectivamente, no había suficiente luz para rodar en el interior del museo por lo que nos servimos del procedimiento Shuftan. Se coloca un espejo bajo un ángulo de cuarenta y cinco grados, en el que se refleja una foto del decorado del museo. Las fotos fueron tomadas con una exposición de treinta minutos. Teníamos nueve fotos que reproducían lugares distintos y, como eran transparentes, podíamos iluminarlas por detrás. Raspábamos el espejo para quitar la plata en determinados lugares que correspondían a un elemento del decorado construido realmente en el estudio, por ejemplo, un marco de puerta para ver llegar a un personaje. Los productores desconocían el procedimiento Shuftan y no habrían confiado en él; por consiguiente rodé estas escenas trucadas sin que lo supieran.
Como siempre, destacamos el valor de mantener un espacio abierto, gratuito y de calidad durante doce años, y agradecemos al público que nos acompaña en cada función. A continuación, palabras de Hitchcock a Truffaut sobre Chantaje.
"El aspecto divertido de Blackmail es que, después de muchas dudas, los productores decidieron que fuese una película muda, salvo el último rollo, pues entonces se hacía publicidad de algunas producciones anunciando: «film parcialmente sonoro». En realidad, yo preveía que los productores cambiarían de opinión y que necesitarían una película sonora, por lo que lo había previsto todo, en consecuencia. Utilicé, pues, la técnica del sonoro pero sin el sonido. Gracias a ello, cuando el film estuvo terminado, pude oponerme a la idea de un «parcialmente sonoro» y me dieron carta blanca para rodar de nuevo algunas escenas. La actriz alemana, Anny Ondra (en verdad nació en Galitzia, Polonia, en ese entonces parte del Imperio Austrohúngaro), apenas hablaba el inglés y como el doblaje, tal como se practica ahora, aún no existía, salvé la dificultad llamando a una joven actriz inglesa, Joan Barry, que estaba en una cabina situada fuera de campo y que recitaba el diálogo delante de su micrófono mientras la señorita Ondra miraba las palabras. Yo seguía la interpretación de Anny Ondra mientras escuchaba las entonaciones de Joan Barry con ayuda de auriculares en mis oídos".
"Después que la chica ha matado al pintor que la llevó a su casa e intentó violarla, ella vuelve a la suya y hay una escena de desayuno con su familia en torno a la mesa. Una vecina que se encuentra allí, muy parlanchina, discute del asesinato que acaba de saberse dice: «¡Qué terrible matar a un hombre por la espalda con un cuchillo. Si lo hubiese matado yo, le habría golpeado la cabeza con un ladrillo, pero no habría utilizado un cuchillo!», y sigue el diálogo, la chica ni siquiera escucha ya y el sonido se convierte en un puré sonoro, muy vago, confuso, en el que sólo se entiende claramente la palabra cuchillo, que vuelve a menudo: cuchillo, cuchillo. Y de pronto la chica oye claramente la voz de su padre: «Por favor, pásame el cuchillo del pan, Alice», y Alice debe coger con su mano el cuchillo, semejante a aquel con el que acaba de cometer el asesinato, mientras que los otros siguen hablando del crimen. Este fue mi primer experimento sonoro".
F.T.: ¿Utilizó muchos trucos durante la persecución del hombre en el British Museum?
A.H.: Efectivamente, no había suficiente luz para rodar en el interior del museo por lo que nos servimos del procedimiento Shuftan. Se coloca un espejo bajo un ángulo de cuarenta y cinco grados, en el que se refleja una foto del decorado del museo. Las fotos fueron tomadas con una exposición de treinta minutos. Teníamos nueve fotos que reproducían lugares distintos y, como eran transparentes, podíamos iluminarlas por detrás. Raspábamos el espejo para quitar la plata en determinados lugares que correspondían a un elemento del decorado construido realmente en el estudio, por ejemplo, un marco de puerta para ver llegar a un personaje. Los productores desconocían el procedimiento Shuftan y no habrían confiado en él; por consiguiente rodé estas escenas trucadas sin que lo supieran.
Emiliano Penelas presenta la función
Se conserva en la actualidad, una de las pruebas para la versión sonora de la cinta, que es un diálogo sostenido entre Hitchcock y Ondra, en el cual ella expone que no habla bien el idioma inglés. Ese fragmento fue exhibido antes de la película.
La función estuvo dedicada a la memoria de Karina Cenzabella.
La función estuvo dedicada a la memoria de Karina Cenzabella.
El Cineclub YMCA retoma la programación de la décima temporada con una función especial dedicada a Eliseo Subiela y uno de sus films más trascendentes: Hombre mirando al sudeste. Será el miércoles 17 de mayo a las 20 horas, en Reconquista 439, con entrada libre.
Función 149 - Miércoles 17 de mayo, 20 horas
HOMBRE MIRANDO AL SUDESTE
(Idem, Argentina, 1986, color, 104 minutos)
Dirección: Eliseo Subiela
Elenco: Hugo Soto, Lorenzo Quinteros, Inés Vernengo, Rubens Correa, David Edery, Tomás Voth, Rodolfo Rodas, Horacio Marasi y Jean Pierre Reguerraz.
Un día llega al neuropsiquiático un joven, Rantés, que dice ser un ser de otro planeta. El doctor Julio Denis lo trata como paranoico, pero Rantés irá introduciéndose en su vida, haciéndolo dudar de si realmente está loco, con lo que, sutilmente, lo obliga a replantear su vida y profesión. La película que dio a conocer a Subiela a nivel mundial resultó ganadora del premio a Mejor Ópera Prima en el Festival de San Sebastián, pese a que no era su primer film, fue nominada al Goya a la mejor película extranjera de habla hispana, Premio de la crítica en el Festival de Toronto.
Eliseo Subiela nació el 27 de diciembre de 1944 y falleció en la madrugada del 25 de diciembre de 2016, a poco de cumplir 72 años, dejando una filmografía en la que el realismo mágico y las relaciones atormentadas fueron ejes. Dirigió La conquista del paraíso (1981), y luego de una pausa realizó uno de los grandes clásicos del cine nacional con protagónicos de Hugo Soto y Lorenzo Quinteros: Hombre mirando al sudeste (1986).
Luego estrenó Últimas imágenes del naufragio (1989), El lado oscuro del corazón (1992), No te mueras sin decirme adónde vas (1995), Despabílate amor (1996), Lifting de corazón (2005), El resultado del amor (2007), No mires para abajo (2008), Rehén de ilusiones (2009) y Paisajes devorados (2012).
Subiela recibió el diploma al mérito de la Fundación Konex en el año 1991, por ser considerado uno de los cinco mejores directores argentinos de la década 1981-1990 y también fue miembro honorario de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en el año 1995.
HOMBRE MIRANDO AL SUDESTE
(Idem, Argentina, 1986, color, 104 minutos)
Dirección: Eliseo Subiela
Elenco: Hugo Soto, Lorenzo Quinteros, Inés Vernengo, Rubens Correa, David Edery, Tomás Voth, Rodolfo Rodas, Horacio Marasi y Jean Pierre Reguerraz.
Un día llega al neuropsiquiático un joven, Rantés, que dice ser un ser de otro planeta. El doctor Julio Denis lo trata como paranoico, pero Rantés irá introduciéndose en su vida, haciéndolo dudar de si realmente está loco, con lo que, sutilmente, lo obliga a replantear su vida y profesión. La película que dio a conocer a Subiela a nivel mundial resultó ganadora del premio a Mejor Ópera Prima en el Festival de San Sebastián, pese a que no era su primer film, fue nominada al Goya a la mejor película extranjera de habla hispana, Premio de la crítica en el Festival de Toronto.
Eliseo Subiela nació el 27 de diciembre de 1944 y falleció en la madrugada del 25 de diciembre de 2016, a poco de cumplir 72 años, dejando una filmografía en la que el realismo mágico y las relaciones atormentadas fueron ejes. Dirigió La conquista del paraíso (1981), y luego de una pausa realizó uno de los grandes clásicos del cine nacional con protagónicos de Hugo Soto y Lorenzo Quinteros: Hombre mirando al sudeste (1986).
Luego estrenó Últimas imágenes del naufragio (1989), El lado oscuro del corazón (1992), No te mueras sin decirme adónde vas (1995), Despabílate amor (1996), Lifting de corazón (2005), El resultado del amor (2007), No mires para abajo (2008), Rehén de ilusiones (2009) y Paisajes devorados (2012).
Subiela recibió el diploma al mérito de la Fundación Konex en el año 1991, por ser considerado uno de los cinco mejores directores argentinos de la década 1981-1990 y también fue miembro honorario de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en el año 1995.
Así calificó Alexander Kluge a Soledad, película de Paul Fejos que proyectamos el último miércoles en el Cineclub YMCA.
La función fue dedicada a Adrián "Toto" Nievas, ex cantante de Adicta recientemente fallecido, quien le cantó al amor desde la soledad.
La función fue dedicada a Adrián "Toto" Nievas, ex cantante de Adicta recientemente fallecido, quien le cantó al amor desde la soledad.
